龙争虎斗

Released posthumously after Bruce Lee’s untimely death at 32, ENTER THE DRAGON is an American and Hong Kong co-production that canonizes Lee’s screen immortality, patterning after the au courant James Bond template, it whisks Lee, a Shaolin martial artist, under the aegis of British Intelligence Service to an offshore island in Hong Kong, where supervillain Han (Shih), a former Shaolin practitioner, governs as a one-man empire, ostensibly for martial art training, a cover for his backdoor operation of drug trafficking and a prostitution ring.

Han arranges a martial art tournament every three years (an activity seemingly nonsensical as it only courts unwanted extraneous attention, whose justification Michael Allin’s vapid script half-asses), so here are some prominent participants, besides Lee, there is Roper (Saxon), a hardened gambler, who functions as a Caucasian moral yardstick (whose libidinous proclivity is also strictly Caucasian) and the Afro-sporting Williams (Kelly), who is bumptious, debauched and has to get his lumps in a hard way, together they will face Hen’s trained henchmen, lead by O’Hara (Wall), who happens to be answerable for the death of Lee’s sister Su Lin (Mao), and a burly goon Bolo (Yeung).

After a prologue in Shaolin Temple where Lee elucidates his tenet of “emotional content” in martial arts, and the panoply of Hong Kong’s erstwhile ghettos-on-the-sea, the rest of the film sticks to the derivative plot-line slavishly, festooned by an oriental menagerie that has no aesthetic moderation, but when Lee finally acts up, the movie whirls towards a rapturous experience, his “fight without fight” movements, so fiercely accurate, physically engaged, that their dramatic impact is never authenticated by the battered opponents, but Lee himself, straining his wiry, flexed body and uttering his trademark screech, all condensed in a severity that is awe-inspiring, there is no room for hesitation or weakness, Lee is the real deal, he means business, although he hardly takes a hit (a major contrast to Jackie Chan’s comic-inflected choreography, who appears several times as bit players, can you spot him?), crimson gushes across his torso only stir his mettle during the climatic smackdown, where a hall of mirrors becomes the time-honored, visual shorthand of breaking the illusory distractions and going for the jugular, yes, it is all kitschy (Schifrin’s jazz-fusion score included), but Lee is sui generis, indomitable, indelible and the last person on earth one wants to mess with.

referential entries: Terence Young’s DR. NO (1962, 6.4/10); King Hu’s DRAGON INN (1967, 7.6/10).

没有查资料，但我感觉真人快打这个游戏是从李小龙的这部电影改编而来（因为游戏主角的动作完全就是模仿李小龙），然后真人快打这个游戏火了以后讷，又改编成了魔宫帝国这部影片……。说真的，电影我已经没什么印象了，但是对于游戏里超级血腥的终结技还犹有记忆，今时今日，这种游戏是不可能堂而皇之的出现在游戏厅了……

如果你看过这两部电影又玩过这个游戏，首先，你会赞同我的观点，其次，你是个70后男。

七十年代的香港电影将中国传统哲学一分为二，一边是以张彻和楚原为代表的武侠电影，一边是以李小龙、刘家良、甚至是袁和平、洪金宝、成龙为代表的功夫电影。武侠电影并不是一种个人英雄幻想，他的文人书画语言决定了其本质是反英雄文化的。并且，武侠追求的不是以击倒对手为目标的胜者为王，更高层次上他是在寻求精神上的交流和找回生命的真谛。功夫电影则是从实用的搏击技巧转变而来，他展示的是一种的乐观、进取的生活态度，所谓除暴安良， 惩恶锄奸 ，打得过就打，打不过就跑，都是此斗争哲学的具体内容。如果说刘家良的“神通并妙用，运水及般柴” 还停留在一招一式的勤学苦练之中。那么，李小龙的“天上地下，唯我独尊”则在此基础之上，把功夫上升到身体哲学和行为艺术的高度。所谓“我没有思考”，只是心识所到处，敌进我退，敌退我进，敌人便自动被击倒。他的“我”与“对手”都不存在，实则是忘记功夫技巧后对功夫精髓的整体掌握。敌人只是幻影，我只是在激情（不思考）和机械（过度思考）之间寻得平衡，在精神的领域进入无限中的有限，有限中的无限……

李小龙曾在电视访谈中，将他的这种启发自我意识的功夫哲学称之为“水的哲理”，因为流水不腐，所以要做的就是保持你的律动，你必须持续练习，才能激发你的本能反应。当你需要用到它的时候，它就在那里；当你需要动的时候，你就能动如脱兔。我的意思是你必须站稳马步、出击，以迅雷不及掩耳之势，将你的动作和心灵合而为一。你最好训练你全身的每一个部分，就像这支指向月亮的手指，如果不集中精神，你看到的就只能是手指；如果你只专注在手指上，你就会错过所有精神的灵光。天上地下，无论是有形的天地，还是无形的精神，最后都融会为一体。别拘泥于功夫的一招一式，形式分散了注意力，这一切都是渐进的过程，澄静你的心灵，飘渺、无形，像水一样。水能流动，也可以撞击，体会水的哲理，我的朋友。

如果说从《唐山大兄》、《精武门》到《猛龙过江》，李小龙还在用这种玄之又玄的功夫理论去追求击倒对手的快感，那么到了《龙争虎斗》，他已经在没有对手的空间里去领悟击碎幻影的真谛。

李小龙的《龙争虎斗》是一部哲学电影，影片以禅宗术语“执指为月”为开篇，以击败将禅宗哲学落实到物欲享受、甚至犯罪的“敌人”为结束，其经典的镜像打斗，正是李小龙借影像来阐释击破幻象，认识真实自我的道理。因为执指为月的关键正在于不要将注意力只停留在眼前的物质世界，否则将领悟不到精神世界的灵光。李小龙将和平主义贯穿在他的功夫文化之中，以此来区别以英雄文化为根基的古希腊/罗马哲学，并截断西方人对功夫是一种暴力美学的联想。严格来说，《龙争虎斗》这部电影分为两部分：第一部分是李小龙在解释何为功夫哲学，概括起来就是，很有感情能产生信仰，很有感情能进入精神世界，很有感情能击败幻象。第二部分则是李小龙用代表着禅宗不立文字、 ”棒如雨点，喝似雷奔” 的功夫行为，与已进入“得其神，忘其形”，浑然一体的肢体动作、脸谱表情、和率性的嚎叫，来表演这种哲学。

如果说张彻电影中是两个知己之间的眼神交流，不顾他人围观从白天打到黑夜。那么李小龙在搏斗时发出的奇怪的唱戏般的叫声，就是在与精神中的对手较量，以及自我入境的情感爆发。李小龙的电影里只有他自己，所有人都是他进入精神世界的背景素材，他战胜的对手是自己，这是他超出普通功夫片的原因，他的电影中有精神哲学。 他在电影中完全进入自我想象，成为而不仅仅是表演他所扮演的角色，达到乐在其中，物我两忘的境界。用杰克.史密斯的说法，这种表演就是人肉致幻剂，达到了信仰的高度，只要有了这种演员，就可以把假景变活，引领每个人去探索未知的精神领域。

正如李小龙所说，我在镜头前表演李小龙，因为李小龙所代表的是真实自我的潜能，他既是自然中的不自然，又是不自然中的自然。这句颇为拗口的话，很容易让人联想起安迪.沃霍尔对地下电影国王杰克.史密斯“超级明星”理论的发挥，这也不奇怪为什么每个导演的镜头都不由自主的被李小龙不可超越的“超级明星”的表演所深深吸引。李小龙如入无人之境般的用人肉慢动作，带观众进入李小龙的幻想世界。这不是简单的滑稽和不入戏，而是真实的梦中行走。每一次打斗，每一次“复仇”，每一次率性而饱含感情的嚎叫，李小龙都用严肃、欢喜、亢奋，甚至是怪诞中带着悲伤的脸谱表情， 告知观众，此处应空虚寂寞冷，这可称之为至人之仿佛吗？这个乐未毕，哀又继之的状态就是李小龙在摄像机打开后的自动表演，非如此不可的幻觉再现，千万不能逼他！ 否则，龙哥只好哇嗷我打啊，一脚把你踢飞！

附：用杰克.史密斯的理论再回顾一遍李小龙“糟糕”的表演：

杰克史密斯：“玛利亚.蒙特兹只关心自己的幻想，除了自己的幻想以外什么都不表演（她吸引幻想电影到她身边——它们需要她——换作任何其他演员来演都会很可笑——任何其他人）。”这句话就是李小龙表演的最佳注解。

美国六十年代刚刚经历过地下、波普、嬉皮文化的洗礼，到了七十年代初，李小龙带着极具个人魅力的表演登上美国舞台，他那追求个人宇宙的独化观正好与当时的美国文化相吻合。可见，美国人喜欢的李小龙，并将他与阿尔.帕西诺、罗伯特.德尼罗、史泰龙相提并论的原因并不全是功夫，更多的是他独特的表演方式，他表演的甚至不是功夫，而是他自己的幻想 。

在《精武门》中可以看到，每个镜头都在捕捉李小龙夸张的面部表情，按照今天的标准来看表演十分“糟糕”，但这正是杰克.史密斯喜欢的“不表演”，可以看到同时代电影中其他演员的表演都很正常，只有李小龙让人“出戏”，因为他只表演他自己，他不在乎别人认为他多么“奇怪”，这是外国人喜欢他的地方。

李小龙夸张的面部表情将每个“感情”都放大，变慢，特写，直到面部无法容纳他丰富的情感，就变为了肢体动作以及“嚎叫”，也就是夸张的舞台般的“武打”，这种武打其实是他个人情感的延续，是属于他个人的独特“肢体语言”，没有人可以模仿，也没有人可以超越。他就是一个人肉“致幻剂”。

杰克.史密斯：我宁愿喜欢糟糕的表演。 李小龙就是“糟糕的表演”，他在一场打斗戏中，用人肉慢动作将“打”的动作延长，那个人已经死了，但他的手部还不停颤抖，时间仿佛静止，用极度夸张的方式表达了愤怒，这已经不是在展示功夫了。就像杰克.史密斯说的，他固执的坚持自己的方式，于是超越了技巧。

杰克.史密斯的理论其实相当超前，他认为“独特的人来表演自己”，通过这种方式激起观众的幻想，才是真正难以超越的，这就是电影的“魔法”和“致幻剂”。很多人认为特效就是“幻想”，实际上特效只是工具，它没有任何内容，它也无法激起人的幻想，它能带给观众的仅仅只是视觉刺激，而非用眼睛去思考。因为人是超越机器的，特效只能是辅助，它非常有限，它无法到达“无限”。

1.少林寺师徒对话 师傅：你认为武术的最高境界是什么？ 徒弟：隐于无形—李小龙 师傅：很好！你怎么面对对手？ 徒弟：毫无对手！ 师傅：为什么呢？ 徒弟：因为“我”是不存在的。 师傅：好吧，继续！ 徒弟：一种好的搏击就像一种小游戏，但必须认真对待。一个功夫高手应该不拘于任何形式，不拘于思想，也不拘于梦。随时都可以攻，当对手进攻，我就退守；当对手退守，我就进攻，当一有机会，不用我打，用它就全解决了。 师傅：现在你必须记住：所谓敌人只是种幻相，而真正的敌人就藏身于其身后。摧毁幻相，你就可打败敌人。你所说的进攻是一种很有力的武器，容易被背誓的习武者所乱用，几百年以来，这种传统一直被少林寺保存着。记住，时至今日，是我等弟子的荣幸。告诉我，现在少林寺的第十三条诫律是什么？ 徒弟：学武之人该为自己所做的事负责，并承担所做的事的后果。 2.我们需要用激情。我说的是激情内敛，不是愤怒。 3.不要去想，去感觉。这就如同一个指着月亮的手指，不集中精神，你就只会看见手指，看不见月亮的荣耀。 4.你的眼睛任何时候都要盯着你的对手，甚至当你鞠躬时。